Wilde

Prefazione

L'artista è il creatore di cose belle.

Rivelare l'arte e nascondere l'artista è il fine dell'arte.

Il critico è colui che può tradurre in diversa forma o in nuova sostanza la sua impressione delle cose belle.

Tanto le più elevate quanto le più infime forme di critica sono una sorta di autobiografia.

Coloro che scorgono brutti significatinelle cose belle sono corrotti senza essere affascinanti. Questo è un errore.

Coloro che scorgono bei significati nelle cose belle sono le persone colte. Per loro c'è speranza. Essi sono gli eletti: per loro le cose belle significano solo bellezza.

Non esistono libri morali o immorali. I libri sono scritti bene o scritti male. Questo è tutto.

L'avversione del diciannovesimo secolo per il realismo è la rabbia di Calibano che vede il proprio volto riflesso nello specchio.

L'avversione del diciannovesimo secolo per il romanticismo è la rabbia di Calibano che non vede il proprio

volto riflesso nello specchio.

La vita morale dell'uomo è parte della materia dell'artista, ma la moralità dell'arte consiste nell'uso perfetto di un

mezzo imperfetto. L'artista non desidera dimostrare nulla. Persino le cose vere possono essere dimostrate.

Nessun artista ha intenti morali. In un artista un intento morale è un imperdonabile manierismo stilistico.

Nessun artista è mai morboso. L'artista può esprimere qualsiasi cosa.

Il pensiero e il linguaggio sono per un artista strumenti di un'arte. Il vizio e la virtù sono per un artista materiali

di un'arte.

Dal punto di vista formale il modello di tutte le arti è l'arte del musicista. Dal punto di vista del sentimento il

modello è l'arte dell'attore.

Ogni arte è insieme superficie e simbolo.

Coloro che scendono sotto la superficie lo fanno a loro rischio. L'arte rispecchia lo spettatore, non la vita.

La diversità di opinioni intorno a un'opera d'arte dimostra che l'opera è nuova, complessa e vitale. Possiamo

perdonare a un uomo l'aver fatto una cosa utile se non l'ammira. L'unica scusa per aver fatto una cosa

inutile è di ammirarla intensamente. Tutta l'arte è completamente inutile.

BASIL HALLWARD

Lo studio era pervaso dall'odore intenso delle rose e, quando tra gli alberi del giardino spirava la leggera brezza estiva, dalla porta spalancata entrava l'intenso odore dei lillà, o il più delicato profumo dei fiori rosa dell'eglantina. Dall'angolo del divano di coperte da sella persiane, sul quale era sdraiato, fumando com'era sua abitudine innumerevoli sigarette, Lord Henry Wotton coglieva lo splendore dei fiori di liburno del colore e della dolcezza del miele, i cui tremuli rami parevano appena sopportare il peso della loro fiammeggiante bellezza. Ogni tanto, l'ombra fantastica di un uccello in volo saettava, con un fuggevole effetto giapponese, sulle lunghe tende di seta grezza tese dinanzi all'enorme finestra ricordandogli quei pittori di Tokio dal viso di pallida giada che, con i mezzi di un'arte necessariamente immobile, cercano di rendere il senso della velocità e del moto. Il cupo ronzio delle api che vagavano tra le alte erbe non falciate o roteavano con monotona insistenza intorno agli stami coperti di polvere dorata degli sparsi caprifogli sembrava rendere ancora più opprimente la sensazione di immobilità. Il rombo sommesso della città di Londra ricordava le note basse di un organo lontano.

In mezzo alla stanza, fissato a un cavalletto, stava il ritratto a figura intera di un giovane di straordinaria bellezza e di fronte, poco lontano, sedeva l'autore, Basil Hallward, la cui improvvisa scomparsa alcuni anni prima aveva suscitato tanto scalpore e fatto sorgere tante strane congetture.

Mentre il pittore guardava la forma bella e piena di grazia che con tanta abilità artistica aveva raffigurato, un sorriso di compiacimento gli attraversò il volto e parve volervisi fermare. Ma, improvvisamente, si alzò e chiudendo gli occhi posò le dita sulle palpebre, come se volesse tener prigioniero nella mente uno strano sogno da cui temeva ridestarsi.

«È la tua opera migliore, Basil, la più bella cosa che hai mai fatto,» disse languido Lord Henry. «Devi assolutamente esporla al Grosvenor. L'Accademia è troppo grande e troppo volgare. Ogni volta che ci sono andato c'era tanta di quella gente che non sono riuscito a vedere i quadri, il che è tremendo, oppure tanti di quei quadri che non sono riuscito a vedere la gente, il che è anche peggio. Davvero, il Grosvenor è l'unico posto possibile.»

«Penso che non lo esporrò in nessun posto,» rispose il pittore gettando all'indietro il capo in quello strano modo che provocava le risate dei suoi compagni di Oxford. «No, non lo esporrò in nessun posto.»

Lord Henry inarcò le sopracciglia e lo guardò stupito attraverso le sottili spire di fumo che salivano in fantasticiarabeschi dalla sigaretta grevemente oppiata. «Non vuoi esporlo? Perché, mio caro amico? C'è qualche motivo?

Che strani tipi siete, voi pittori! Fate qualunque cosa per ottenere una reputazione, poi non appena l'avete raggiunta pare che la vogliate gettare via. È una sciocchezza, perché al mondo c'è una sola cosa peggiore del far parlare di sé ed è il non far parlare di sé. Un ritratto come questo ti porrebbe più in alto di tutti i giovani inglesi e ti farebbe invidiare dai vecchi, posto che i vecchi siano in grado di provare emozioni.»

«So che riderai di me,» rispose il pittore, «ma non posso davvero esporlo. Vi ho messo dentro troppo di me.»

Lord Henry si allungò sul divano ridendo.

«Sì, sapevo che avresti riso; comunque è proprio vero.»

«Troppo di te! Parola mia, Basil, non ti credevo così vanitoso; e non riesco proprio a trovare nessuna

rassomiglianza tra te, con quel tuo viso forte e marcato e i capelli neri come il carbone, e questo giovane Adone che pare fatto di avorio e petali di rosa. Infatti, mio caro Basil, lui è un Narciso e tu... ecco, naturalmente hai un'espressione intelligente e tutto il resto, ma la bellezza, la vera bellezza, finisce dove inizia l'espressione intelligente. L'intelletto è di per se stesso una sorta di eccesso e in qualunque volto distrugge l'armonia. Non appena uno comincia a pensare, diventa tutto naso o tutta fronte, oppure qualcosa di orrendo. Guarda quelli che hanno avuto successo nelle professioni intellettuali. Sono assolutamente disgustosi.

DORIAN'S HEDONISM

Ma tutto ciò non lo spingeva affatto ad essere trascurato, perlomeno nei rapporti sociali. Un paio di volte al

mese durante l'inverno, o tutti i mercoledì durante la season , apriva la sua bella casa e i più celebri musicisti del mondo affascinavano i suoi ospiti con i prodigi della loro arte. Le sue cenette intime, che organizzava sempre assistito da Lord Henry, erano celebri sia per l'accurata scelta degli ospiti e per l'intelligente disposizione dei posti a tavola, che per il gusto squisito mostrato nella decorazione della tavola, con sottili armonie di fiori esotici, di tessuti ricamati, di antico vasellame d'argento e d'oro. Erano molti, in realtà, specialmente tra i giovanissimi quelli che vedevano, o immaginavano di vedere, in Dorian Gray la personificazione di un tipo umano spesso sognato ai tempi di Oxford o di Eton, un tipo che univa in sé qualche cosa della vera cultura dello studioso con tutta la grazia, la distinzione e la perfezione di modi del cittadino del mondo. Dorian Gray appariva loro, uno di quelli che Dante dice che hanno cercato di «rendersi perfetti adorando la bellezza». Come Gauthier, era uno di coloro per i quali «il mondo visibile esiste».

E certo per lui la vita stessa era la prima e la maggiore delle arti, quella per cui tutte le altre non erano che un'introduzione. La moda, che per un attimo rende universali le cose più fantastiche, e il dandismo che a suo modo è un tentativo di asserire l'assoluta modernità della bellezza, naturalmente avevano per lui il loro fascino. Il suo modo di vestire, lo stile personalissimo che di tanto in tanto ostentava, avevano una marcata influenza sui giovani raffinati dei balli di Mayfair e delle vetrine dei club di Pall Mall, che lo copiavano in ogni suo gesto e che cercavano di ripetere il fascino casuale delle sue eleganti, anche se per lui non troppo serie, affettazioni Infatti, pur accettando con molta prontezza la posizione che gli era stata immediatamente offerta non appena raggiunta la maggiore età, e pur provando, in verità, un sottile piacere all'idea di poter essere per la Londra dei suoi tempi ciò che per la Roma di Nerone era stato l'autore del Satyricon , tuttavia nell'intimo desiderava essere qualche cosa di più che un semplice arbiter elegantiaruma cui chiedere consigli sul modo di portare un gioiello, di annodare una cravatta, di tenere un bastone. Cercava, invece, di elaborare un nuovo stile di vita, con la sua filosofia ragionata e i suoi principi ordinati, uno stile che nella spiritualizzazione dei sensi trovasse la sua più alta realizzazione.

L'adorazione dei sensi spesso e molto giustamente è caduta in discredito perché gli uomini provano un istintivoterrore verso le sensazioni e le passioni più forti di loro che sanno di dividere con forme di esistenza menoorganizzate.

Ma a Dorian Gray pareva che nessuno avesse mai compreso la vera natura dei propri sensi e che essi fosserorimasti animaleschi e selvaggi solo perché l'umanità aveva tentato di soggiogarli o di mortificarli attraverso la sofferenza invece di proporsi di farne elementi di nuova spiritualità, la cui caratteristica dominante avrebbe dovuto essere un raffinato istinto del bello. Quando si voltava a guardare il cammino dell'uomo nella storia, unsenso di perdita lo ossessionava. A quante cose si era rinunciato! E per un così misero fine! Si erano viste folli rinunce dettate dall'ostinazione, forme mostruose di autopunizione e di abnegazione nate dalla paura e finite informe di degradazione infinitamente più terribili di tutte quelle presunte degradazioni da cui, nella loroignoranza, gli uomini avevano cercato di fuggire. La natura, nella sua meravigliosa ironia, spingeva l'anacoreta anutrirsi insieme agli animali selvaggi del deserto e dava come compagni all'eremita gli animali dei campi.

Sì , come aveva preannunciato Lord Henry, sarebbe sorto un nuovo edonismo che avrebbe ricreato la vita e

l'avrebbe salvata dal duro e sgradevole puritanesimo che ai giorni nostri conosce un singolare risveglio. Questo edonismo avrebbe dovuto certamente appoggiarsi all'intelletto ma non avrebbe mai accettato teorie o sistemi implicanti la rinuncia a qualunque esperienza emotiva. Suo scopo infatti avrebbe dovuto essere l'esperienza stessa e non i suoi frutti, dolci o amari che fossero. Avrebbe ignorato sia l'ascetismo che mistifica i sensi, sia la volgare dissolutezza che li assopisce. Avrebbe invece insegnato agli uomini a concentrarsi negli attimi di una vita che è essa stessa solo un attimo.

Joyce

Ireland permeates all of Joyce’s writing, especially Ireland during the early twentieth century, when Ireland sought independence from Great Britain.

In the last part of the nineteenth century, the cultural revival of Ireland aimed at defining what it meant to be Irish, to reinvigorate Irish language and culture, giving the Irish a sense of pride in their identity. The movement celebrated Irish literature and encouraged people to learn the Irish language, which many people were forgoing in favour of the more modern English language.

Despite the cultural revival, Ireland divided into factions of Protestants and Catholics, Conservatives and Nationalists. Such social forces form a complex context for Joyce’s writing, who did not witness such debates firsthand, though he never lost his artistic interest in the city and country of his birth and articulated the Irish experience in his writings.

Dubliners was published in 1914and Joyce based many of the characters on real people,  suggestive details, coupled with the book’s historical and geographical precision and piercing examination of relationships. Dubliners contains fifteen portraits of life in the Irish capital. Joyce focuses on children and adults who skirt the middle class (housemaids, office clerks, music teachers, students, shop girls, swindlers, and out-of-luck businessmen). Joyce saw his collection as a looking glass with which the Irish could observe and study themselves. In most of the stories, Joyce uses a detached but perceptive narrative voice that displays these lives to the reader in precise detail. Rather than present intricate dramas with complex plots, these stories sketch daily situations in which not much seems to happen,. the events may not appear profound, yet the characters’ personal and tragic revelations are. The stories in Dubliners peer into the homes, hearts, and minds of people whose lives connect and intermingle through the space and spirit of Dublin. A character from one story will mention the name of a character in another story, and stories often have settings that appear in other stories. Such subtle connections create a sense of shared experience and evoke a map of Dublin life ever present in his works

Joyce first conceived of Ulysses as a short story to be included in Dubliners, then decided to publish it as a novel, as a sort of sequel to A Portrait of the Artist as a Young Man. Ulysses continues Stephen Dedalus’s life more than a year after where Portrait leaves off. The novel introduces two Leopold and Molly Bloom, and takes place on a single day, June 16, 1904, in Dublin.

Ulysses strives to achieve realism by rendering the thoughts and actions of its main characters, both trivial and significant, in a fragmented form similar to the way thoughts, perceptions, and memories appear in our minds. In Dubliners, Joyce had tried to give his stories a heightened sense of realism by incorporating real people and places into them, which is a feature of Ulysses. At the same time Ulysses works on a mythic level, by way of a series of parallels with Homer’s Odyssey. Stephen, Bloom, and Molly correspond to Telemachus, Ulysses, and Penelope, and each of the eighteen episodes of the novel corresponds to an adventure from the Odyssey.

Eliot

Eliot attributed much  of his early style to the French Symbolists, and took from them their ability to infuse poetry with high intellectualism and a sensuous language, while developing his new and original style. His early works, like “The Love Song of J. Alfred Prufrock” and The Waste Land, draw on a variety of cultural reference to depict a modern world in ruins yet beautiful and meaningful. Eliot uses techniques like pastiche and juxtaposition to state his ideas without having to argue them explicitly; Eliot’s early poetry has poetic innovations and develops characters who fit the type of the modern man as seen by his contemporaries.

After his conversion to Christianity Eliot’s poetry changed. The later poems emphasize depth of analysis over breadth of allusion; the tone is more hopeful. The experiences of World War II inform the Quartets, which address issues of time, experience, mortality, and art. The quartets do not lament the ruin of modern culture nor seek redemption in the cultural past, as The Waste Land does, human limits are overcome through art and spirituality.

Eliot’s poems show many unifying aspects: all of Eliot’s poetry is marked by a conscious desire to bring together the intellectual, the aesthetic, and the emotional in a way that honours the past and acknowledges the present. Eliot is always conscious of his own efforts, and he frequently comments on his poetic endeavors in the poems themselves.

The Damaged Psyche of Humanity

Eliot wanted to express the fragile psychological state of humanity in the twentieth century. The passing of Victorian ideals and the trauma of World War I challenged cultural ideas of masculine identity, and artists questioned the romantic literary ideal of a visionary-poet capable of changing the world through verse. Modernist writers wanted to capture this transformed world, perceived as fractured, alienated, and denigrated. Europe lost an entire generation of young men in the Great War, causing a crisis of masculinity as survivors struggled to find their place in a deeply changed society. The aftershocks of World War I contributed to the dissolution of the British Empire. Eliot saw society as paralyzed and wounded, culture as crumbling and dissolving. Humanity’s damaged psyche prevented people from communicating with one another, an idea that Eliot explored in many works, including “A Game of Chess” (the second part of The Waste Land) and “The Hollow Men.”

The Power of Literary History

Eliot showed great reverence for myth and the Western literary canon, and his work is full of allusions, quotations, footnotes, and scholarly exegeses. The Waste Land juxtaposes fragments of various elements of literary and mythic traditions with scenes and sounds from modern life. The effect of this poetic collage provides a reinterpretation of canonical texts and a historical context for his examination of society and humanity.

Infact Eliot considered the literary tradition very important , and in his opinion the best writers write with a sense of continuity with the writers who came before, as if literature constituted a stream.

The Changing Nature of Gender Roles

Gender roles and sexuality became flexible, and Eliot’s work reflected those changes. In the repressive Victorian era women were confined to the domestic sphere, sexuality was not discussed or publicly explored, and a puritanical code regulated social interactions. After Queen Victoria’s death there was an era of excess and forthrightness, the Edwardian Age, which lasted until 1910. World War I further transformed society, as people felt alienated from one another and empowered to break social mores. Modernist writers and re-imagined masculinity and femininity not as absolute identities dictated by society.

Eliot praised the end of the Victorian era and expressed concern about the freedoms of the modern age, and the feelings of emasculation experienced by many men as they returned home from World War I to find women empowered by their new role as wage earners. The Waste Land portrays rape, prostitution, a conversation about abortion, and non reproductive sexuality, though uncontrolled sexuality is disdainful. The poem’s central character, Tiresias, is a hermaphrodite embodying wholeness, his powers of prophesy and transformation are, due to his male and female genitalia.

Fragmentation

The motif of fragmentation points out the chaotic state of modern existence and juxtaposes literary texts against one another; Eliot represented humanity’s damaged psyche and the modern world with its sensory perceptions by collaging bits and pieces of dialogue, images, scholarly ideas, foreign words, formal styles, and tones within one poetic work, echoes and references that are just fragments, since Eliot includes only parts of texts from the canon.

Mythic and Religious Ritual

In his notes Eliot explains the role played by religious symbols and myths. He drew from ancient fertility rituals, in which the fertility of the land was linked to the health of the Fisher King, a wounded figure who could be healed through the sacrifice of an effigy. The Fisher King is linked to the Holy Grail legends, in which a knight has to find the grail, the only object capable of healing the land. Ritual fails to heal the wasteland, even as Eliot presents alternative religious possibilities.

Infertility

Eliot envisioned the modern world as a wasteland, in which neither the land nor the people could conceive, and various characters of The Waste Land are sexually frustrated or dysfunctional, unable to cope with reproductive and nonreproductive sexuality: the Fisher King represents damaged sexuality, Tiresias represents confused or ambiguous sexuality, and the women chattering in “A Game of Chess” represent an out-of-control sexuality.

Water

In Eliot’s poetry  water symbolizes life and death, with the regenerative possibility of restoring life and fertility, but it can also lead to drowning and death.

Music and Singing

Like most modernist writers, Eliot was interested in the divide between high and low culture, which he symbolized using music. He believed that high culture, including art, opera, and drama, was in decline while popular culture was on the rise. In The Waste Land, Eliot blended high culture with low. Music is another way in which Eliot collages and references books from past literary traditions.

Wilde

Decadent art is a reaction against the bourgeois model and its dominant social and cultural features, capitalism in economy, Positivism in philosophy and Naturalism in Art. Several artistic trends stressed disengagement and unconventional or openly scandalous behaviour were the reaction, attitudes defined as “decadent” à hence Aestheticism (or Decadentismo in Italy).

The decadent artist despises the values and hypocrisy of the middle classes (the Victorian compromise), the central importance of money and business in modern society, the cheapness and vulgarity of mass production. There is however no concern for the common man, on the contrary the artist aristocratically keeps away from the masses to live a life of refines sensations. Beauty is the supreme value in art and life

Des Esseints, the protagonist of  A rebours (1884) by Hyusmans was the archetypal model of decadent life, the man who devoted his lilfe to the cult of beauty and pleasure, disgusted by the vulgarity of modern life and disillusioned with love.

For both Wilde and D’Annunzio the only way to contrast the vulgarity of the modern world was to build a life of beauty and transform each experience into an aesthetic experience.

The Picture of Dorian Gray sums up Wilde’s theories about a life of sensation and pleasure, of the man of taste, the taste is above common morality. As in folks and fairy tales Dorian’s life depends on a magic object, while the element of mystery is visible throughout.

The apparent lack of moral basis, the hedonistic life disregarding moral considerations and ordinary feelings are belied by the moral ending of the story, which suggests that there is a price to be paid for a life of pleasure.